Estudos referentes ao processo de montagem do espetáculo "Trilhos da Terra"
Almir Sater
Almir Eduardo Melke Sater (Campo Grande, 14 de novembro de 1956) é um violeiro, compositor, cantor e instrumentista brasileiro e atuou em novelas como ator. Seu estilo caracteriza-se pelo experimentalismo e sua música é classificada como regional. Agrega uma sonoridade tipicamente caipira da viola de 10 cordas e também com influências das culturas fronteiriças do seu estado, como a música paraguaia e andina. E o resultado é único: ao mesmo tempo reflete traços populares e eruditos, despertando atenção de públicos diversos.
Com mais de 30 anos de carreira sólida e 10 discos solo gravados, Almir tornou-se um dos responsáveis pelo resgate da viola de 10 cordas, sendo reinventada, o músico acrescentou um toque mais sofisticado ao instrumento, temperado com estilos estrangeiros como o blues, o rock e o folk, uma mistura de música folclórica, erudita e popular, considerada atemporal. O seu último CD, 7 Sinais (2006), traz um repertório eclético e inovador e conta com participações especiais dos sanfoneiros Dominguinhos e Luiz Carlos Borges.
Nascido em Campo Grande Mato Grosso do Sul desde os doze anos já tocava viola e gostava do mato e sons da natureza. Aos vinte anos mudou-se para o Rio de Janeiro para estudar Direito, mas desistiu da carreira de Advogado, tornando-se um músico, motivado inicialmente por escutar no Largo do Machado uma dupla tocando viola caipira.
Dedicou-se ao seu estudo de música, tendo Tião Carreiro como mestre. Retornou a Campo Grande onde formou a dupla Lupe e Lampião com um amigo, adotando Lupe como nome artístico.
Anos 80 - Comitiva Esperança
Em 1979 foi para São Paulo, onde iniciou um trabalho com sua conterrânea Tetê Espíndola, acompanhando também a cantora Diana Pequeno.1
Gravou seu primeiro disco em 1980, contando com a participação de Tetê Espíndola, Alzira Espíndola e Paulo Simões. Fez parte da Geração Prata da Casa no início dos anos 80, sendo uma das principais atrações do movimento que juntou os maiores expoentes da música sul-mato-grossense.
Em 1986, juntamente com o parceiro Paulo Simões, com o maestro e violinista Zé Gomes, o jornalista, crítico e pesquisador Zuza Homem de Melloe do fotógrafo Raimundo Alves Filho, iniciou uma comitiva que explorou o Pantanal, realizando registros fotográficos, pesquisando o modo de vida dos pantaneiros, de maneira poética, enquanto percorriam o Paiaguás, Nhecolândia, Piquiri, São Lourenço e Abobral. Esse projeto, batizado de Comitiva Esperança, resultou em um documentário co-produzido pelo próprio artista juntamente com Paulo Simões.2
Em 1988 foi escolhido por unanimidade pela crítica para participar da abertura do Free Jazz Festival, em 1989, ao lado de nomes sagrados da música mundial. Dono de um talento ímpar e versatilidade como cantor, compositor, violeiro e instrumentista, sendo reconhecido como um dos artistas mais completos da música brasileira. Único cantor do país a cantar em Nashville, nos Estados Unidos, no mesmo ano (cidade considerada o berço da música country americana).
Anos 90 e 2000 - novelas e prêmios
Nos anos 90 ganhou dois prêmios Sharp com as canções "Moura" (como melhor música instrumental e instrumentista) e "Tocando em Frente" (esta considerada um "hino" motivacional da música brasileira).
Na mesma década estreia como ator na telenovela Pantanal (de Benedito Ruy Barbosa) pela Rede Manchete em 1990. Na trama, Almir deu muito o que falar por sua interpretação como Trindade, um peão misterioso. Em 1991 protagonizou, ao lado de Ingra Liberato a novela A História de Ana Raio e Zé Trovão, de Marcos Caruso, pela mesma emissora.
Paralelamente na mesma época, Almir Sater estabeleceu ricas parcerias com Renato Teixeira e Paulo Simões, que criou verdadeiras pérolas do cancioneiro regional-popular. Com Sérgio Reis o artista fez parcerias somente em novelas. Exímio violeiro, fez fama com seu estilo caracterizando-se pelo experimentalismo, a utilização de diversas afinações diferentes e o resgate da viola caipira de 10 cordas. Suas influências vão de Al Jarreau Beatles a Pink Floyd às músicas fronteiriças com seu estado MS como andina e paraguaia. Também toca violão folk de 12 cordas e charango. Os personagens vividos pelo ator possuíam essas características similares como em O rei do gado, de Benedito Ruy Barbosa, pela Rede Globo, em 1996, onde seu personagem fazia dupla com o personagem de Sérgio Reis, "Pirilampo & Saracura", tendo gravado, inclusive, músicas na trilha sonora da novela.
Sua última aparição como ator foi em 2006 na telenovela Bicho do Mato, de Bosco Brasil e Cristianne Fridman (remake da telenovela homônima, de Chico de Assis e Renato Corrêa e Castroexibida pela Rede Globo em 1972), pela Rede Record, em que interpretava a personagem Marian.3 4
Em 2010 o artista foi um dos convidados para o especial e gravação do DVD "Emoções Sertanejas", em homenagem aos 50 anos de carreira de Roberto Carlos. Sua interpretação para a canção "O Quintal do Vizinho", contida e suave, recebeu diversos elogios, sendo apontada por vários internautas como a mais bonita apresentação.
Além da multiplicidade de talentos, o artista é um defensor e preservacionista do meio ambiente, sempre engajado em projetos de cunho socioambiental, estimulando à conscientização e "atitudes verdes" para a melhoria do planeta bem como a preservação dos costumes do homem pantaneiro.
Fonte: http://www.overmundo.com.br/overblog/almir-sater-nao-sou-sertanejo-eu-sou-roqueiro
Geraldo Roca
Geraldo Roca é autor de Trem do Pantanal. A música composta em 1975 em parceria com Paulo Simões foi eleita a mais representativa do Mato Grosso do Sul, virou praticamente o hino não-oficial do Estado e há mais de uma década é o hit do repertório do violeiro Almir Sater. Mas Roca é muito mais do que simplesmente o autor desta canção que fala do famoso trem que partia de Bauru, em São Paulo, passava por Campo Grande, chegava até Corumbá, na fronteira de Mato Grosso do Sul com a Bolívia, e rumava para o ponto final Santa Cruz de La Sierra. O compositor é dono de uma das obras mais inspiradas da música feita na região Centro-Oeste. A quem diga que seja do país. ‘Se fosse escolher um compositor para dar de presente ao povo brasileiro, este compositor seria Geraldo Roca’, revela Renato Teixeira, grande apreciador da música produzida em MS e com quem Roca gravou, tocando viola de 10 cordas, o LP Garapa ainda na década de 80.
Com sua voz gravíssima, durante a conversa é capaz de enumerar um grande número de intelectuais, como Norman Mailer, Bertold Brecht, Aldous Huxley e Maiakovski e buscar as mais diferentes teorias e livros, como A Cultura do Narcisismo, de Christopher Lasch, para explicar suas posturas ou o porquê de ter feito determinada música. Irônico e provocador, Geraldo não perdoa a falta de discernimento de quem não percebe que o seu maior sucesso, Trem do Pantanal, não tem nada de canção ecológica. ‘Tem muita gente que admira a música como uma elegia ao Pantanal. Mas Trem do Pantanal não é nada disso. É uma canção de um proscrito, que está fugindo de uma ditadura. Não tem ninguém olhando para as estrelas’, explica.
Figura rara nos eventos artísticos de Campo Grande, Roca faz shows eventuais e seus discos demoram. Com 49 anos e 26 de profissão, o compositor lançou apenas um LP e dois CDs. Carioca de nascimento, sempre flertou com o Mato Grosso do Sul, onde sua família possue fazendas, mas apenas em 1988 resolveu mudar para a capital do Estado. Autor de músicas como Japonês Tem Três Filhas, em que satiriza a verdadeira miscelânea cultural que acontece em MS, e Polca Outra Vez, considerada a pedra-fundamental para o surgimento da polca-rock na década de 80, Roca garante que o homem do interior do Brasil se parece mais com o mexicano do que com o carioca. ‘Da rodovia Castelo Branco para cá o Brasil vai virando cada vez mais o México’, assegura.
Roca também não se conforma com a falta de parâmetros do sul-mato-grossense interiorano e chega a apontar o atraso cultural como um dos empecilhos para se ter um mercado em MS para esta música feita por ele, Paulo Simões e Geraldo Espíndola. ‘É inacreditável pensar que alguém nunca tenha ouvido falar em Tom Jobim, mas vai em Maracaju e é isto que acontece’, lamenta. Bom papo, o músico abortou a idéia de ir morar em São Paulo, bola um disco só com versões para canções folk e assume que não se entusiasma mais em dizer que é compositor como nos anos 70 e 80. ‘Hoje me sinto parte de um baixo clero’, vaticina.
Você acreditava que a música Trem do Pantanal se tornaria tão representativa para o MS?
Roca – Não acreditava e ela se tornou por razões curiosas, além da insistência do Paulinho em sempre tocar a música. Trem do Pantanal é uma canção de um proscrito. É um cara que diz que é um fugitivo da guerra, que está saindo do Brasil e indo para a Bolívia, que a família está preocupada com ele. A letra ressalta que ele está muito bem e vivo. E ele sabe que o medo viaja também em todos os trilhos da terra. Me inspirei um pouco na experiência de um amigo. Eu e o Paulinho tínhamos uns 14, 15 anos e ele era mais velho um pouco, mas já freqüentava o PCB. Até o dia que estouraram uma célula do Partidão, ele estava envolvido, teve de picar a mula e fez justamente este caminho até Santa Cruz de La Sierra. Esta história ficou na minha cabeça. A idéia do cara fugindo. Tem gente que pensa que a persona que está dizendo aquelas coisas na letra poderia ser o Che Guevara. Eu particularmente fiquei sabendo há uns três anos que o Che fez uma viagem parecida ou até mesmo a própria. O Fausto Matogrosso tem um livro sobre isso e existe uma ficha do SNI afirmando que o Che teria passado pelo nosso Estado, de cabeça raspada, de óculos e tudo mais. Então até caberia, mas eu e o Paulinho não tínhamos consciência disso.
O Trem do Pantanal é incompreendido na sua essência então?
Sim. Tem muita gente que admira a música como uma elegia ao Pantanal. E não é. A letra fala de um cara fugindo de uma ditadura pelo Pantanal. Ele não estava olhando as estrelas.
Esta canção é bastante popular em MS, mas não se pode dizer que exista um mercado que reflita esta popularidade. Por que esta chamada Moderna Música de MS não consegue formar um mercado sólido no estado?
Porque o MS inteiro tem a população de Copacabana. Você imagina um cara ser estrela só em Copacabana? É difícil.
Mas para você a questão é populacional?
Não é só isso. Não aconteceu nada aqui por causa do atraso cultural das pessoas. A primeira vez que fiz shows por dentro do Estado senti que há um abismo entre Campo Grande e as cidades do interior. São dois universos culturais inteiramente diferentes. É quase inacreditável pensar que alguém nunca tenha ouvido falar de Tom Jobim... Mas é possível. Vá a Maracaju e pergunta quem foi Tom Jobim, Oscar Niemeyer, Darcy Ribeiro... É inacreditável, mas não saberão responder. Se é assim isso aqui, imagino que pelo Nordeste e Norte do Brasil e outros lugares do Centro-Oeste, como Tocantins, seja assim também. A música que estas pessoas conhecem é a música sertaneja. Que embora seja recente, ela é a música popular deste país. Música para eles é aquilo. Nesta viagem pelo interior tocamos em Nova Andradina. Eu, a cantora Maria Alice e a banda de rock Vaticano 69. Deviam ter umas 800 pessoas que não iam embora, não aplaudiam, não vaiavam e não se manifestavam. Teve uma hora que perguntei: 'Tá vivo aí pessoal?'. Foi impressionante, mas eles não estavam entendendo o que era aquilo ali.
O interior geralmente é mais difícil em todos os Estados. Mas Campo Grande é uma capital que não possui uma casa noturna com estrutura de som e luz para receber uma banda. O que acontece?
Não sei. O que sei é que por incrível que pareça quem fez alguma pela cultura foi o governo do PT através do Fundo de Investimos a Cultura, o FIC. É preciso dar a César o que é de César. Ou a Pilatos o que é de Pilatos, sei lá... Houve realmente muita produção musical financiada, a fundo perdido muitas vezes, pelo Estado. O que não houve, e é o ponto fraco da estratégia do governo, foi circulação. E claro que ocorreu muita política de clientela, mas isso no Brasil é de se esperar... Tipo o filho do vereador do interior que quer gravar um CD e deixam ele gravar naquela base de não custa nada... Mesmo assim houve muita produção e nunca se fez tanto CD.
Já é possível dizer que existe uma música sul-mato-grossense?
Existe um embrião dela. Mas na música o problema é que se você quer falar e atingir uma boa audiência, quanto menos complicar, melhor. Coisas como Água Verde, de Geraldo Espíndola, que é cheia de escalas cromáticas, mesmo sendo de um compositor que não conhece cifras, dificilmente teria chance de ser ouvida em outra rádio que não seja a Educativa aqui de Campo Grande. Mesmo sendo uma beleza de canção e diferente de tudo que existe na música brasileira. O Geraldo Espíndola é um dos grandes melodistas do Brasil de sempre... Ele é mesmo, tem um talento extraordinário e tenta, assim como eu, descomplicar as canções e fazer algo mais simples. Mas não é tão simples que chegue a tocar o cidadão sul-mato-grossense.
Não é uma música palatável ainda. Não se chegou a uma fórmula baiana digamos assim?
Exatamente. Não é palatável. A fórmula baiana eu acho genial. A Bossa Nova teve de vingar nos EUA para ser aceita no Brasil. O Almir teve que virar um ator de novela brasileira para ser reconhecido como artista em seu próprio Estado. Então a fórmula baiana é perfeita, porque é feita dos baianos para os baianos e acerta o resto do Brasil de tabela. Mas eles não estão preocupados. Porque lá eles são absolutamente a música baiana. Pode ser boa ou ruim, mas o baiano tem certo orgulho dela. Escuta aquilo o dia inteiro.
Na década de 80 surgiu o que se convencionou chamar de polca-rock, que é a mistura da polca paraguaia com rock'n roll. Muitos o apontam como o próprio pai da criança. Você se considera o que nesta história ou não se considera?
Me considero por causa de uma música chamada Polca Outra Vez. Ela iria ter inclusive um parêntese escrito Back in the Big Field, que não passa de um remake de Back in the USSR, uma paródia dos Beatles para a música Back in the USA do Chuck Berry. Polca Outra Vez é um cara saindo da civilização, do Rio de Janeiro, ou de onde ele estivesse, e adentrando o mundo do Centro-Oeste, a Terra do Boi, a Zebulandia... Polca Outra Vez é rock'n roll, não é outra coisa... Tem até aquele rife a la Chuck Berry, mas em compasso ternário.
Você batizou seu segundo disco de Litoral Central? Como é isso?
Os espanhóis, que foram os primeiros a vir para estas bandas, eles imaginavam que existia um mar interno e chamavam de Mar de Xaraés. Quando o Pantanal está cheio, na altura de Porto Murtinho, por exemplo, não se vê mais mato e parece um mar mesmo. Então o tal Mar de Xaraés é um mar que nunca existiu, mas que tem até nome. É um mar imaginário e fica na região geográfica onde a gente está. Outra coisa para eu chegar neste nome Litoral Central é o seguinte: o chamamé é chamado pelo pessoal no leste da Argentina e no Uruguai de música litoraleña, de litoral fluvial. Então quando comecei a pensar nesta expressão Litoral Central o paradoxo de ser litoral e ser central já me atraiu. É uma provocação. Como pode ter um litoral central? Mas tem e é o litoral fluvial. Li isto na biografia do Tarrago Ros, onde falam de música litoraleña, aquela que fica sempre nas beiras dos rios. Uma música que foi subindo pelo Rio Paraguai e acabou chegando aqui.
Algumas pessoas sonham com a idéia de um corredor cultural que ligaria Campo Grande, Assunção, Corrientes, Montevidéu, Rosário, Buenos Aires, Porto Alegre, Foz do Iguaçu... Falta olhar mais para o Pacífico do que para o Atlântico?
A gente olha para o lado errado sim. Misturar a música feita no miolo da América do Sul seria excelente e renderia altas figurinhas. Mas o que não tem é uma indústria para receber isso e de um público de baixo poder aquisitivo. As fronteiras são os lugares mais pobres do continente.
Você acredita que a música sul-mato-grossense tem realmente um elo natural muito maior com esta América do Sul do que com o resto do Brasil?
Meu amigo, da Rodovia Castelo Branco para cá o Brasil vai ficando cada vez mais mexicano, até que ele vira o México. O brasileiro do interior é muito mais parecido com um mexicano do que com um carioca ou um habitante de Salvador. Isto é um fato. Para bem e para mal. Estas duplas sertanejas que ficam se esgoelando para o mal e as coisas geniais que já apareceram e irão aparecer para o bem.
Na década de 80, o Mato Grosso do Sul viveu um momento de euforia musical, com os teatros lotados de público nos shows regionais, a Tetê Espíndola venceu o festival da Globo, o Almir começou a despontar... Por que a música do MS não estourou nacionalmente?
O lance do Almir é que ele explodiu, mas a música dele não necessariamente. O Almir é artista que vende 20, 30 mil discos. Ele não estava mais vendo para onde ir e meteu as caras. Conseguiu o papel e estourou como figura. O Almir se tornou popular. Não foi a música sul-mato-grossense que estourou com ele. E a Tetê estourou com uma música, Escrito nas Estrelas, que não tinha nada a ver com o universo musical do MS. Mesmo os Espíndola tendo um trabalho extremamente ligado ao universo daqui. A este ritmo em 6/8. Os teatros também tinham bem mais público nos shows dos artistas locais. Agora, por que esta tsunami virou uma marola e depois sumiu eu não sei realmente.
O projeto musical que você lançou, o disco Novidade Nativa, teve a proposta de reunir a nova safra de compositores de MS. Como foi a experiência para você?
Eu esperava uma resposta mais valente dos compositores. Algo que nunca fizeram, uma crônica urbana desta merda, e não aconteceu... Poucas pessoas compuseram para o projeto e isso me deixou triste. Mas teve coisas geniais. Uma música do Jerry Espíndola chamada Atlântica Pantanal, tirando o Jamaica que ele utiliza na letra, é legal. O Salinger Polck, que é sua, tem uma levada e letra legal, embora confusa. O Vaticano 69 fez Redoma que gostei e uma do Tomada Acústica. Teve também a homenagem do Filho dos Livres a mim com a canção Atol do Roca. Me emocionou. Por este lado foi do cacete. Mas a crônica da vida urbana de Campo Grande não apareceu. Estou pensando em fazer a segunda edição do Novidade Nativa. Mas fico pensando como veicular. Fazer os artistas circularem com esta música que não existia no Brasil até surgir a Bossa Nova. Esta música para a classe média, este bom gosto sul-mato-grossense. Porque nós estamos engolidos. Temos de um lado o popularzaço, que é a mistura de axé com vanerão representado aqui pelo Tradição, e do outro lado é o nada. Então é preciso um canal para este seguimento ser a música de MS. É isto que quero para o Novidade Nativa. Com toda a perda do poder do fogo da música, talvez seja esta a saída. Tenho esta esperança. Mas sinceramente estou de saco cheio de música.
Você compõe ainda?
De vez em quando faço uma versão para não perder o hábito. De músicas folk. Penso em um disco e chamar 10 bandas para fazer as versões. Já comecei algumas.
Quem foi o músico que influenciou a cabeça de vocês aqui no estado no início da carreira ainda na década de 60?
Aqui em Campo Grande não tinha um músico específico. Mas teve um sujeito que é a nave-mãe da cultura da qual eu, Geraldo, Paulinho e Almir somos os filhos que é o seu Humberto Espíndola. Ele foi o responsável pelo primeiro saque da cultura daqui que foi o quadro Boi-general, de 1968 (este quadro foi censurado pelo AI5). É uma crítica a ditadura, a economia, ao homem atrasado, ao bovino, tudo junto numa sacada só. Aquilo é extrair do nada a poesia. Um poético que não é falar de pedrinha, caramujo... Fala de uma sociedade através do boi. Tem tudo a ver com músicas que surgiram depois, como Polca Outra Vez, e a própria polca-rock.
Por que você lançou seu disco de estréia totalmente urbano em 1988 sem nenhuma menção a região daqui e distante do clima de músicas como Japonês Tem Três Filhas ou Polca Outra vez?
Porque fiz o que estava vivendo. Eu morei no Rio de Janeiro até lançar este disco. Sempre encarei a produção artística de modo bem simples e distanciado. Não faço 'meu querido diário'. Começo pelo conceito. Nunca achei que a minha experiência pessoal teria de ir diretamente para as minhas letras. O Maiakovski dizia que para escrever um poema você precisa de um mandato social. Os soldados russos iam lutar não sei onde e ele escrevia um poema para aquilo. Sou um pouco assim.
Dê um exemplo.
Na minha música Rio Paraguai, por exemplo. Todo mundo acha que tem a ver com meu avô, que era comandante de um navio que vinha do Uruguai até Corumbá. Mas não é por causa disso que fiz. Foi porque li o livro A Cultura do Narcisismo, do Christopher Lasch, uma espécie de anti-Marshal Berman, que escreveu Tudo Que é Sólido Desmancha no Ar. Para ele a sociedade avançou e se tornou mais livre e civilizada e progressista a medida que a cidade foi crescendo. O Lasch diz o contrário. Ele acha que é preciso retomar a verticalidade. De onde você veio, de que lado saiu, de onde veio o seu avo e o seu pai... É isto que dá sentido a experiência humana. É o que leva você de filho a pai. Ele fala é que temos de retomar a ancestralidade. Aí fui atrás de saber mais deste lugar que estou morando e o que formou a mim, você... E foi o Rio Paraguai. Sem este rio, não existiria isto aqui.
Te vejo como um cronista, dono de uma visão ácida, que não se deixa levar pela beleza natural. Os compositores daqui tendem a cantar a natureza digamos assim. O que acha disso?
Este negócio de cantar a natureza equivale na economia a economia extrativista. E olhar isso aqui como sociedade e fazer a crônica de costumes, mesmo que ela seja ácida, você está falando de gente. Está agregando valor e fazendo na economia o que equivale à economia industrial. Processando aquele produto. Mostrando que há uma cultura e não é só o jacaré, a arara, o corixo, o pacu... Não é isso mais. Prefiro mostrar quem é que está lidando com estes animais, que é o pantaneiro. Isso sim é interessante.
Qual a importância da música atualmente?
Acabou da era do jazz para cá. E o que a gente está vivendo hoje é uma espécie de ressaca desta história que foi até meados da década de 70, com o punk, e agora já era. A arte existe porque as pessoas precisam dela. No nordeste brasileiro é onde se faz a música mais rica e é a região mais miserável. Ou é Deus ou é a manifestação artística. Que no fundo são as mesmas coisas. São dois constructos. A religião e a arte. Elas têm a mesma origem e dão sentido à vida. Tornam a vida tolerável. Este foi o papel da música popular do século 20. As pessoas viveram a vida delas pautadas pelo o que era a moda musical. Desde as melindrosas dos anos 20 até os hippies e Mutantes nos anos 70. Eu enchia o peito para falar que era músico e compositor na década de 70 e 80. Hoje em dia já não tenho mais. Me sinto fazendo parte de um baixo clero de gente que não tem importância nenhuma no rol das coisas. Na década de 60 a palavra estava com Jean Paul Sartre, com Norman Mailer, com Abbie Hoffman, com Aldous Huxley... Caras que lideraram a revolução de costumes. A palavra não está mais com o filósofo e escritor, ela está com o astro físico, astrônomo, a ciência exata... O pessoal das humanas vai lá perguntar como o mundo está para estes caras. Mas continuo compondo como se fosse importante o que o compositor está dizendo, embora não seja mais assim. Hoje em dia a gente se voltou para o entretenimento. Estes rappers e grupos ingleses e norte-americanos de pós-punk podem falar grosso e mal do sistema, mas tudo é um número. A música boa e transformadora é a que faz pensar. Não dá a fórmula pronta. É que nem os finais de uma peça do Brecht, tipo ache a solução.
O Renato Teixeira já declarou o seguinte: 'se tivesse de escolher um artista para dar de presente para o povo brasileiro daria o Geraldo Roca'. O que acha disso? O que gostaria que acontecesse daqui para frente?
Gostaria de ser mais reconhecido do que eu sou sim. Gostaria de estar em um lugar que as pessoas olhassem para elas mesmas. Estamos dando voltas. Olhando para um horizonte que nunca vai fazer parte de nossas vidas. E isso serve tanto para Campo Grande quanto para o Rio de Janeiro. E este corredor cultural que você falou, eu adoraria que ele florisse, como sonhei, mas sinto dizer que na minha experiência de vida ele não floriu e acredito que ele não florirá tão cedo. Mas é uma esperança. O dia que isto acontecer, a gente vencer o problema do populismo que existe na América do Sul e realmente criar uma integração real, comercial, musical, cultural... todos nós vamos ganhar muito. Nós aqui neste lado do Brasil somos provavelmente o único lugar que vai ficar a salvo do planeta em 30 ou 40 anos. Então é bom que alguma coisa sobreviva.
Com sua voz gravíssima, durante a conversa é capaz de enumerar um grande número de intelectuais, como Norman Mailer, Bertold Brecht, Aldous Huxley e Maiakovski e buscar as mais diferentes teorias e livros, como A Cultura do Narcisismo, de Christopher Lasch, para explicar suas posturas ou o porquê de ter feito determinada música. Irônico e provocador, Geraldo não perdoa a falta de discernimento de quem não percebe que o seu maior sucesso, Trem do Pantanal, não tem nada de canção ecológica. ‘Tem muita gente que admira a música como uma elegia ao Pantanal. Mas Trem do Pantanal não é nada disso. É uma canção de um proscrito, que está fugindo de uma ditadura. Não tem ninguém olhando para as estrelas’, explica.
Figura rara nos eventos artísticos de Campo Grande, Roca faz shows eventuais e seus discos demoram. Com 49 anos e 26 de profissão, o compositor lançou apenas um LP e dois CDs. Carioca de nascimento, sempre flertou com o Mato Grosso do Sul, onde sua família possue fazendas, mas apenas em 1988 resolveu mudar para a capital do Estado. Autor de músicas como Japonês Tem Três Filhas, em que satiriza a verdadeira miscelânea cultural que acontece em MS, e Polca Outra Vez, considerada a pedra-fundamental para o surgimento da polca-rock na década de 80, Roca garante que o homem do interior do Brasil se parece mais com o mexicano do que com o carioca. ‘Da rodovia Castelo Branco para cá o Brasil vai virando cada vez mais o México’, assegura.
Roca também não se conforma com a falta de parâmetros do sul-mato-grossense interiorano e chega a apontar o atraso cultural como um dos empecilhos para se ter um mercado em MS para esta música feita por ele, Paulo Simões e Geraldo Espíndola. ‘É inacreditável pensar que alguém nunca tenha ouvido falar em Tom Jobim, mas vai em Maracaju e é isto que acontece’, lamenta. Bom papo, o músico abortou a idéia de ir morar em São Paulo, bola um disco só com versões para canções folk e assume que não se entusiasma mais em dizer que é compositor como nos anos 70 e 80. ‘Hoje me sinto parte de um baixo clero’, vaticina.
Você acreditava que a música Trem do Pantanal se tornaria tão representativa para o MS?
Roca – Não acreditava e ela se tornou por razões curiosas, além da insistência do Paulinho em sempre tocar a música. Trem do Pantanal é uma canção de um proscrito. É um cara que diz que é um fugitivo da guerra, que está saindo do Brasil e indo para a Bolívia, que a família está preocupada com ele. A letra ressalta que ele está muito bem e vivo. E ele sabe que o medo viaja também em todos os trilhos da terra. Me inspirei um pouco na experiência de um amigo. Eu e o Paulinho tínhamos uns 14, 15 anos e ele era mais velho um pouco, mas já freqüentava o PCB. Até o dia que estouraram uma célula do Partidão, ele estava envolvido, teve de picar a mula e fez justamente este caminho até Santa Cruz de La Sierra. Esta história ficou na minha cabeça. A idéia do cara fugindo. Tem gente que pensa que a persona que está dizendo aquelas coisas na letra poderia ser o Che Guevara. Eu particularmente fiquei sabendo há uns três anos que o Che fez uma viagem parecida ou até mesmo a própria. O Fausto Matogrosso tem um livro sobre isso e existe uma ficha do SNI afirmando que o Che teria passado pelo nosso Estado, de cabeça raspada, de óculos e tudo mais. Então até caberia, mas eu e o Paulinho não tínhamos consciência disso.
O Trem do Pantanal é incompreendido na sua essência então?
Sim. Tem muita gente que admira a música como uma elegia ao Pantanal. E não é. A letra fala de um cara fugindo de uma ditadura pelo Pantanal. Ele não estava olhando as estrelas.
Esta canção é bastante popular em MS, mas não se pode dizer que exista um mercado que reflita esta popularidade. Por que esta chamada Moderna Música de MS não consegue formar um mercado sólido no estado?
Porque o MS inteiro tem a população de Copacabana. Você imagina um cara ser estrela só em Copacabana? É difícil.
Mas para você a questão é populacional?
Não é só isso. Não aconteceu nada aqui por causa do atraso cultural das pessoas. A primeira vez que fiz shows por dentro do Estado senti que há um abismo entre Campo Grande e as cidades do interior. São dois universos culturais inteiramente diferentes. É quase inacreditável pensar que alguém nunca tenha ouvido falar de Tom Jobim... Mas é possível. Vá a Maracaju e pergunta quem foi Tom Jobim, Oscar Niemeyer, Darcy Ribeiro... É inacreditável, mas não saberão responder. Se é assim isso aqui, imagino que pelo Nordeste e Norte do Brasil e outros lugares do Centro-Oeste, como Tocantins, seja assim também. A música que estas pessoas conhecem é a música sertaneja. Que embora seja recente, ela é a música popular deste país. Música para eles é aquilo. Nesta viagem pelo interior tocamos em Nova Andradina. Eu, a cantora Maria Alice e a banda de rock Vaticano 69. Deviam ter umas 800 pessoas que não iam embora, não aplaudiam, não vaiavam e não se manifestavam. Teve uma hora que perguntei: 'Tá vivo aí pessoal?'. Foi impressionante, mas eles não estavam entendendo o que era aquilo ali.
O interior geralmente é mais difícil em todos os Estados. Mas Campo Grande é uma capital que não possui uma casa noturna com estrutura de som e luz para receber uma banda. O que acontece?
Não sei. O que sei é que por incrível que pareça quem fez alguma pela cultura foi o governo do PT através do Fundo de Investimos a Cultura, o FIC. É preciso dar a César o que é de César. Ou a Pilatos o que é de Pilatos, sei lá... Houve realmente muita produção musical financiada, a fundo perdido muitas vezes, pelo Estado. O que não houve, e é o ponto fraco da estratégia do governo, foi circulação. E claro que ocorreu muita política de clientela, mas isso no Brasil é de se esperar... Tipo o filho do vereador do interior que quer gravar um CD e deixam ele gravar naquela base de não custa nada... Mesmo assim houve muita produção e nunca se fez tanto CD.
Já é possível dizer que existe uma música sul-mato-grossense?
Existe um embrião dela. Mas na música o problema é que se você quer falar e atingir uma boa audiência, quanto menos complicar, melhor. Coisas como Água Verde, de Geraldo Espíndola, que é cheia de escalas cromáticas, mesmo sendo de um compositor que não conhece cifras, dificilmente teria chance de ser ouvida em outra rádio que não seja a Educativa aqui de Campo Grande. Mesmo sendo uma beleza de canção e diferente de tudo que existe na música brasileira. O Geraldo Espíndola é um dos grandes melodistas do Brasil de sempre... Ele é mesmo, tem um talento extraordinário e tenta, assim como eu, descomplicar as canções e fazer algo mais simples. Mas não é tão simples que chegue a tocar o cidadão sul-mato-grossense.
Não é uma música palatável ainda. Não se chegou a uma fórmula baiana digamos assim?
Exatamente. Não é palatável. A fórmula baiana eu acho genial. A Bossa Nova teve de vingar nos EUA para ser aceita no Brasil. O Almir teve que virar um ator de novela brasileira para ser reconhecido como artista em seu próprio Estado. Então a fórmula baiana é perfeita, porque é feita dos baianos para os baianos e acerta o resto do Brasil de tabela. Mas eles não estão preocupados. Porque lá eles são absolutamente a música baiana. Pode ser boa ou ruim, mas o baiano tem certo orgulho dela. Escuta aquilo o dia inteiro.
Na década de 80 surgiu o que se convencionou chamar de polca-rock, que é a mistura da polca paraguaia com rock'n roll. Muitos o apontam como o próprio pai da criança. Você se considera o que nesta história ou não se considera?
Me considero por causa de uma música chamada Polca Outra Vez. Ela iria ter inclusive um parêntese escrito Back in the Big Field, que não passa de um remake de Back in the USSR, uma paródia dos Beatles para a música Back in the USA do Chuck Berry. Polca Outra Vez é um cara saindo da civilização, do Rio de Janeiro, ou de onde ele estivesse, e adentrando o mundo do Centro-Oeste, a Terra do Boi, a Zebulandia... Polca Outra Vez é rock'n roll, não é outra coisa... Tem até aquele rife a la Chuck Berry, mas em compasso ternário.
Você batizou seu segundo disco de Litoral Central? Como é isso?
Os espanhóis, que foram os primeiros a vir para estas bandas, eles imaginavam que existia um mar interno e chamavam de Mar de Xaraés. Quando o Pantanal está cheio, na altura de Porto Murtinho, por exemplo, não se vê mais mato e parece um mar mesmo. Então o tal Mar de Xaraés é um mar que nunca existiu, mas que tem até nome. É um mar imaginário e fica na região geográfica onde a gente está. Outra coisa para eu chegar neste nome Litoral Central é o seguinte: o chamamé é chamado pelo pessoal no leste da Argentina e no Uruguai de música litoraleña, de litoral fluvial. Então quando comecei a pensar nesta expressão Litoral Central o paradoxo de ser litoral e ser central já me atraiu. É uma provocação. Como pode ter um litoral central? Mas tem e é o litoral fluvial. Li isto na biografia do Tarrago Ros, onde falam de música litoraleña, aquela que fica sempre nas beiras dos rios. Uma música que foi subindo pelo Rio Paraguai e acabou chegando aqui.
Algumas pessoas sonham com a idéia de um corredor cultural que ligaria Campo Grande, Assunção, Corrientes, Montevidéu, Rosário, Buenos Aires, Porto Alegre, Foz do Iguaçu... Falta olhar mais para o Pacífico do que para o Atlântico?
A gente olha para o lado errado sim. Misturar a música feita no miolo da América do Sul seria excelente e renderia altas figurinhas. Mas o que não tem é uma indústria para receber isso e de um público de baixo poder aquisitivo. As fronteiras são os lugares mais pobres do continente.
Você acredita que a música sul-mato-grossense tem realmente um elo natural muito maior com esta América do Sul do que com o resto do Brasil?
Meu amigo, da Rodovia Castelo Branco para cá o Brasil vai ficando cada vez mais mexicano, até que ele vira o México. O brasileiro do interior é muito mais parecido com um mexicano do que com um carioca ou um habitante de Salvador. Isto é um fato. Para bem e para mal. Estas duplas sertanejas que ficam se esgoelando para o mal e as coisas geniais que já apareceram e irão aparecer para o bem.
Na década de 80, o Mato Grosso do Sul viveu um momento de euforia musical, com os teatros lotados de público nos shows regionais, a Tetê Espíndola venceu o festival da Globo, o Almir começou a despontar... Por que a música do MS não estourou nacionalmente?
O lance do Almir é que ele explodiu, mas a música dele não necessariamente. O Almir é artista que vende 20, 30 mil discos. Ele não estava mais vendo para onde ir e meteu as caras. Conseguiu o papel e estourou como figura. O Almir se tornou popular. Não foi a música sul-mato-grossense que estourou com ele. E a Tetê estourou com uma música, Escrito nas Estrelas, que não tinha nada a ver com o universo musical do MS. Mesmo os Espíndola tendo um trabalho extremamente ligado ao universo daqui. A este ritmo em 6/8. Os teatros também tinham bem mais público nos shows dos artistas locais. Agora, por que esta tsunami virou uma marola e depois sumiu eu não sei realmente.
O projeto musical que você lançou, o disco Novidade Nativa, teve a proposta de reunir a nova safra de compositores de MS. Como foi a experiência para você?
Eu esperava uma resposta mais valente dos compositores. Algo que nunca fizeram, uma crônica urbana desta merda, e não aconteceu... Poucas pessoas compuseram para o projeto e isso me deixou triste. Mas teve coisas geniais. Uma música do Jerry Espíndola chamada Atlântica Pantanal, tirando o Jamaica que ele utiliza na letra, é legal. O Salinger Polck, que é sua, tem uma levada e letra legal, embora confusa. O Vaticano 69 fez Redoma que gostei e uma do Tomada Acústica. Teve também a homenagem do Filho dos Livres a mim com a canção Atol do Roca. Me emocionou. Por este lado foi do cacete. Mas a crônica da vida urbana de Campo Grande não apareceu. Estou pensando em fazer a segunda edição do Novidade Nativa. Mas fico pensando como veicular. Fazer os artistas circularem com esta música que não existia no Brasil até surgir a Bossa Nova. Esta música para a classe média, este bom gosto sul-mato-grossense. Porque nós estamos engolidos. Temos de um lado o popularzaço, que é a mistura de axé com vanerão representado aqui pelo Tradição, e do outro lado é o nada. Então é preciso um canal para este seguimento ser a música de MS. É isto que quero para o Novidade Nativa. Com toda a perda do poder do fogo da música, talvez seja esta a saída. Tenho esta esperança. Mas sinceramente estou de saco cheio de música.
Você compõe ainda?
De vez em quando faço uma versão para não perder o hábito. De músicas folk. Penso em um disco e chamar 10 bandas para fazer as versões. Já comecei algumas.
Quem foi o músico que influenciou a cabeça de vocês aqui no estado no início da carreira ainda na década de 60?
Aqui em Campo Grande não tinha um músico específico. Mas teve um sujeito que é a nave-mãe da cultura da qual eu, Geraldo, Paulinho e Almir somos os filhos que é o seu Humberto Espíndola. Ele foi o responsável pelo primeiro saque da cultura daqui que foi o quadro Boi-general, de 1968 (este quadro foi censurado pelo AI5). É uma crítica a ditadura, a economia, ao homem atrasado, ao bovino, tudo junto numa sacada só. Aquilo é extrair do nada a poesia. Um poético que não é falar de pedrinha, caramujo... Fala de uma sociedade através do boi. Tem tudo a ver com músicas que surgiram depois, como Polca Outra Vez, e a própria polca-rock.
Por que você lançou seu disco de estréia totalmente urbano em 1988 sem nenhuma menção a região daqui e distante do clima de músicas como Japonês Tem Três Filhas ou Polca Outra vez?
Porque fiz o que estava vivendo. Eu morei no Rio de Janeiro até lançar este disco. Sempre encarei a produção artística de modo bem simples e distanciado. Não faço 'meu querido diário'. Começo pelo conceito. Nunca achei que a minha experiência pessoal teria de ir diretamente para as minhas letras. O Maiakovski dizia que para escrever um poema você precisa de um mandato social. Os soldados russos iam lutar não sei onde e ele escrevia um poema para aquilo. Sou um pouco assim.
Dê um exemplo.
Na minha música Rio Paraguai, por exemplo. Todo mundo acha que tem a ver com meu avô, que era comandante de um navio que vinha do Uruguai até Corumbá. Mas não é por causa disso que fiz. Foi porque li o livro A Cultura do Narcisismo, do Christopher Lasch, uma espécie de anti-Marshal Berman, que escreveu Tudo Que é Sólido Desmancha no Ar. Para ele a sociedade avançou e se tornou mais livre e civilizada e progressista a medida que a cidade foi crescendo. O Lasch diz o contrário. Ele acha que é preciso retomar a verticalidade. De onde você veio, de que lado saiu, de onde veio o seu avo e o seu pai... É isto que dá sentido a experiência humana. É o que leva você de filho a pai. Ele fala é que temos de retomar a ancestralidade. Aí fui atrás de saber mais deste lugar que estou morando e o que formou a mim, você... E foi o Rio Paraguai. Sem este rio, não existiria isto aqui.
Te vejo como um cronista, dono de uma visão ácida, que não se deixa levar pela beleza natural. Os compositores daqui tendem a cantar a natureza digamos assim. O que acha disso?
Este negócio de cantar a natureza equivale na economia a economia extrativista. E olhar isso aqui como sociedade e fazer a crônica de costumes, mesmo que ela seja ácida, você está falando de gente. Está agregando valor e fazendo na economia o que equivale à economia industrial. Processando aquele produto. Mostrando que há uma cultura e não é só o jacaré, a arara, o corixo, o pacu... Não é isso mais. Prefiro mostrar quem é que está lidando com estes animais, que é o pantaneiro. Isso sim é interessante.
Qual a importância da música atualmente?
Acabou da era do jazz para cá. E o que a gente está vivendo hoje é uma espécie de ressaca desta história que foi até meados da década de 70, com o punk, e agora já era. A arte existe porque as pessoas precisam dela. No nordeste brasileiro é onde se faz a música mais rica e é a região mais miserável. Ou é Deus ou é a manifestação artística. Que no fundo são as mesmas coisas. São dois constructos. A religião e a arte. Elas têm a mesma origem e dão sentido à vida. Tornam a vida tolerável. Este foi o papel da música popular do século 20. As pessoas viveram a vida delas pautadas pelo o que era a moda musical. Desde as melindrosas dos anos 20 até os hippies e Mutantes nos anos 70. Eu enchia o peito para falar que era músico e compositor na década de 70 e 80. Hoje em dia já não tenho mais. Me sinto fazendo parte de um baixo clero de gente que não tem importância nenhuma no rol das coisas. Na década de 60 a palavra estava com Jean Paul Sartre, com Norman Mailer, com Abbie Hoffman, com Aldous Huxley... Caras que lideraram a revolução de costumes. A palavra não está mais com o filósofo e escritor, ela está com o astro físico, astrônomo, a ciência exata... O pessoal das humanas vai lá perguntar como o mundo está para estes caras. Mas continuo compondo como se fosse importante o que o compositor está dizendo, embora não seja mais assim. Hoje em dia a gente se voltou para o entretenimento. Estes rappers e grupos ingleses e norte-americanos de pós-punk podem falar grosso e mal do sistema, mas tudo é um número. A música boa e transformadora é a que faz pensar. Não dá a fórmula pronta. É que nem os finais de uma peça do Brecht, tipo ache a solução.
O Renato Teixeira já declarou o seguinte: 'se tivesse de escolher um artista para dar de presente para o povo brasileiro daria o Geraldo Roca'. O que acha disso? O que gostaria que acontecesse daqui para frente?
Gostaria de ser mais reconhecido do que eu sou sim. Gostaria de estar em um lugar que as pessoas olhassem para elas mesmas. Estamos dando voltas. Olhando para um horizonte que nunca vai fazer parte de nossas vidas. E isso serve tanto para Campo Grande quanto para o Rio de Janeiro. E este corredor cultural que você falou, eu adoraria que ele florisse, como sonhei, mas sinto dizer que na minha experiência de vida ele não floriu e acredito que ele não florirá tão cedo. Mas é uma esperança. O dia que isto acontecer, a gente vencer o problema do populismo que existe na América do Sul e realmente criar uma integração real, comercial, musical, cultural... todos nós vamos ganhar muito. Nós aqui neste lado do Brasil somos provavelmente o único lugar que vai ficar a salvo do planeta em 30 ou 40 anos. Então é bom que alguma coisa sobreviva.
Fonte: http://www.overmundo.com.br/overblog/geraldo-roca-sobre-todos-os-trilhos-da-terra
Família Espíndola
Uma família de início bem humilde, mas de um forte talento musical. Tetê Espíndola desde pequena sempre gostou de ouvir música clássica. Aos 8 anos já gostava de ouvir conjuntos paraguaios tocar nas rádios. Ouvia Beatles, Jovem Guarda, Janis Joplin e Bossa Nova, que marcaram sua adolescência. A menina pobre que morava no mato sonhava um dia poder cantar e concretizar seu sonho de subir aos palcos, pela emoção que sentia ao ouvir canções.
Humberto Espíndola, que depois de muito batalhar se tornou artista plástico de renome internacional. Foi pelo irmão e pela mãe, Alba Miranda, que Tetê começou a se interessar por música, desenvolvendo sua arte, ainda oculta, que é sua voz.
A família, começou a desenvolver os dons artísticos entre as sessões de teatro que a mãe e o irmão encenavam em casa, para se divertir, e ouvindo rádio. Sua mãe cantava muito em casa, o que fascinava Tetê, querendo a cada dia ser cantora.
A veia artística dessa família também era influenciada por seus primos-trigêmeos que se apresentavam em grandes orquestras, tocando piano a seis mãos. Depois de muito trabalhar, eles conseguiram ficar importantes e tocar para Getúlio Vargas.
Tetê possuía muita cumplicidade com os irmãos. O primeiro de fato a introduzir-se na música e aprender a tocar violão foi o irmão Sérgio, que ensinou ao outro irmão, Geraldo, e ele ensinou a caçula Tetê. Uma família de seis irmãos: Alzira, Geraldo, Humberto, Jerry, Sérgio e Celito.
Era evidente que a música entretia os irmãos em casa, já que todos tocavam ou cantavam. Em 1968, os irmãos Tetê, Geraldo, Celito, Sérgio e Alzira, com permissão dos pais, decidiram ganhar dinheiro e trabalhar no que gostavam e assim formaram o grupo Luz Azul e passaram a executar cantorias na estrada que liga Campo Grande a Cuiabá.
E foi nos arredores de Mato Grosso do Sul, cantando com os irmãos, de cidade em cidade, que Tetê se descobriu, num local muito especial para ela, chamado Chapada dos Guimarães, ao lado de passarinhos e da cachoeira do Véu da Noiva que Tetê descobre a sua voz aguda, ouvindo nas matas o eco de sua voz, ela pôde perceber que era uma voz totalmente diferente de todas que ela já ouvira em rádios. Não era nem forte nem leve, era uma voz aguda, um som que alternava entre doce e dramático. Isso despertou curiosidade na menina e começou a testar sua voz cantando todos os dias.
Aos 14 anos, Tetê ganhou um festival de música em Campo Grande, com a letra que seu irmão Geraldo escreveu: Sorriso. A partir deste dia, Tetê começou a pensar em seguir carreira em outros estados.
Após anos cantando para o público de Campo Grande, em 1977 o Grupo LuzAzul decide ir para a Cidade de São Paulo tentar carreira. Tetê, com seus 20 anos, sonhando em concretizar seu desejo de infância, com apoio dos irmãos e assim vendo a cada dia seu sonho de menina mais perto.
Vão primeiro Celito Espíndola e Tetê. Eles chegam e começam a tocar em barzinhos onde fizeram tanto sucesso que gravadoras passaram a querer contratá-los.
Os dois vendo que estavam se consolidando, abriram espaço para os outros irmãos se transferirem de vez para São Paulo, já que na Terra da Garoa parecia ser promissora a carreira musical.
Os irmãos fazem testes em gravadoras e passam. Acabam por fechar contrato com a Polygram/Phillips, e a pedidos da própria gravadora, mudam o nome LuzAzul para Tetê e o Lirio Selvagem, lançando assim seu primeiro trabalho em 1978. Em 1979, Tetê o e Lírio Selvagem se desfaz, a gravadora decide lançar Tetê em um disco solo - Piraretã.
Tetê e os irmãos lançaram em 1978 o álbum Tetê e o Lírio Selvagem, pela gravadora Polygram, trazendo composições próprias dos irmãos, que escreviam as letras.
A partir daí os irmãos passam a seguir carreira solo, cada um gravando seus discos, e todos fizeram muito sucesso. Mas os irmãos não pararam de gravar discos juntos, já que as vezes gravavam, pois gostavam de estar juntos onde quer que fosse, só que cada um gostava de seu espaço e de estilos alternativos.
Em 1982, entre muitas experimentações sonoras feitas através de sessões com Stenio Mendes e Theophil Mayer (inclusive exibido pela TV Cultura em um especial), surge o disco Pássaros na garganta de Tetê Espíndola, pela gravadora Som da Gente, aclamado pela crítica, e onde a estética do som é batizada por Arrigo Barnabé de sertanejo lisérgico.
Em 1985, Tetê vence o Festival dos Festivais da Rede Globo com a canção Escrito nas estrelas, composição do marido Arnaldo Black com Carlos Rennó, que bate recordes de execução e vendagens, dando-lhe o disco de ouro.
Tetê tem muitas outras facetas artísticas além de cantora: Dubla, atua e fez a trilha sonora do filme Mônica e a Sereia do Rio (de Maurício de Sousa) dirigido por Walter Hugo Khouri; e faz uma participação no curta Caramujo-Flor, de Joel Pizzini, junto com Almir Sater, Aracy Balabanian, Ney Matogrosso e outros artistas de Mato Grosso do Sul. Além disso, foi representante brasileira, participou do Festival The concert voice, em Roma, no ano de 1988, sua primeira viagem internacional.
Em 1989, canta no New Morning (Paris) e no Festival de Jazz da Bélgica. Com uma bolsa da Fundação Vitae, em conjunto com Marta Catunda e Humberto Espíndola vão rumo á Amazônia numa expedição em busca do canto do uirapuru, onde gravam uma série de sons de pássaros, que depois de catalogado, e parte das experimentações musicais feitas por Tetê na Amazônia, gera o disco Ouvir/Birds (1991).
Tetê passa alguns anos se dedicando à família e em 1998, junto com a irmã Alzira, gravam o disco acústico só de canções regionais/tradicionais - Anahí, sucesso de venda e de público nos concertos que lotaram uma agenda de 2 anos. Quando então, aparece o excelente disco Vozvoixvoice, dirigido e produzido por Phillipe Kadosch, no qual o conceito aplica-se em fazer da voz, todos os instrumentos (baixo, bateria, guitarra, sopros, etc.). Em 2003, Tetê participa em dois projetos junto com a família - Espíndola canta e O que virou, e em 2005 lança o disco Zencinemasó com canções de Arnaldo Black.
Tetê é dona de imensa extensão vocal e um raro timbre de voz agudíssimo. Tetê Espíndola é uma das cantoras mais originais da música brasileira. Seu trabalho incorporou pesquisas de vanguarda realizadas com sons de pássaros, influência de temas regionalistas e fusões do acústico com o eletrônico. Fez muito sucesso em todas as músicas que compôs, especialmente a canção Escrito nas Estrelas. Sua voz e seu doce toque ao violão emocionou muito a todos na gravação de O cio da terra.
Assim como Tetê, toda a família desempenhou um trabalho artístico singular no nosso estado, seja pela música, artes plásticas ou teatro, a Família Espíndola canta e encanta a todos nós sul-mato-grossenses. Nosso espetáculo “Trilhos da Terra” traz portanto a brilhante arte de se fazer música para o nosso estado.
Aqui, um documentário incrível sobre a Família Espíndola:
Texto/adaptação: Leonardo Borges Leonardo
Dino Rocha
Instrumentista. Acordeonista. Compositor. Cantor.
Nascido em Jutí/MS, filho de músicos, sua mãe era alemã e o pai, paraguaio. Profissionalizou-se como sanfoneiro aos oito anos de idade. Em 1971, mudou-se para a cidade de Campo Grande, Mato Grosso do Sul.
Aos dezesseis anos de idade apresentou-se com seu primeiro grupo, "Los 5 Nativos", da cidade de Ponta Porã.
Em 1973, gravou pela primeira vez no LP "Voltei amor", da dupla Amambai e Amambaí. Ao longo da carreira gravou quinze LPs e cinco CDs. Como compositor fez mais de 50 composições, entre as quais, "Gaivota pantaneira", parceria com o poeta e compositor Zacarias Mourão. Também gravou declamando poemas caipiras.
Em 1991, recebeu o prêmio "Jacaré de prata" como melhor instrumentista do Brasil. Atuou em três capítulos da novela "Pantanal", da Rede Manchete ao lado de Almir Sater e Sérgio Reis.
Em 1997, criou seu próprio selo fundando a RR Gravação e Produção ME. Em 2000, foi convidado para participar do projeto "Balaio Brasil", no SESC de São Paulo apresentando-se ao lado de Dominguinhos, Caçulinha, Sivuca, Hermeto Pascoal e Toninho Ferragut. Em, 2001, com os mesmos músicos participou do projeto "Sanfona brasileira" pelo Centro Cultural Banco do Brasil no Rio de Janeiro, em São Paulo e Brasília.
Em 2002, apresentou-se no SESC São Paulo no projeto "Brasil da sanfona", quando representou a região centro-oeste. Em 2003, comemorou 3 anos de carreira com o lançamento de um Cd onde regravou o sucesso "Gaivota pantaneira'. Seus três últimos discos foram: "Che Rancho Cuê (Meu rancho velho)", "Pantanal, sanfona e viola" e "No rancho do chamamé".
O artista possui considerável conjunto de obras musicais formado por 21 discos que consolidaram sua carreira calcada em quatro décadas de música regional. Seu amadurecimento musical acompanhou a evolução da própria tecnologia no Brasil.
São 17 discos em vinil e 4 cd’s. Seu primeiro trabalho foi gravado em 1973.
Orgulhoso de tantos anos de estrada, Dino diz que além de seus próprios discos, já participou, como convidado, de vários trabalhos de outros artistas. Entre os que fizeram parceria com o sanfoneiro estão Almir Sáter, Renato Teixeira, Chiitãozinho e Xororó além dos cantores e compositores Campograndenses, Paulo Simões, Guilherme Rondon, além de trabalhos solo.
Extraído do “Dicionário Cravo Albin da Música Popular Brasileira” e Last.fm.
Zacarias Mourão
Levando em conta músicas como "Ai seu te pego", "Eu quero tchu, eu quero tcha", “Eu vou pegar você e tãe", “Lê, lê, lê” e “Bara Bará Bere Berê”, quem hoje, diante do mercado e da explosão cada vez mais constante de novos estilos, deixaria de lado os "chicletes" e se atreveria a fazer uma canção falando de uma árvore?
Difícil acreditar que a idéia daria certo em uma época onde grande parte das composições - de rima fácil e conteúdo duvidoso -, conquistam, com facilidade incrível, o topo das paradas de sucesso. Ainda bem que foi há meio século.
Com 53 anos de história, "Pé de Cedro", música escrita pelo coxinense Zacarias Mourão, colocou Mato Grosso no mapa musical do País, antes mesmo da criação do Estado. A inspiração, como o nome sugere, veio de uma árvore, mas isso não foi motivo para que a canção ficasse na gaveta, pelo contrário. O sucesso veio rápido e se espalhou Brasil afora.
Hoje, a música é uma das mais importantes e representativas de Mato Grosso do Sul, não apenas pela árvore que se tornou a grande paixão do menino Tió, como o compositor era chamado na infância, mas pelo valor histórico-cultural que representa.
A canção de Zacarias é simples, mas foi pela simplicidade que ele, um homem interiorano, conseguiu levar, pela primeira vez, o nome do Estado para fora, no final da década de 50. Os holofotes se voltaram para o antigo Mato Grosso.
Naquela época, Tió já estava morando em São Paulo, onde havia iniciado carreira no DER (Departamento de Rodagem), como operador de máquina. Paralelamente à atividade, mexia com produção artística.
Em 1959, durante uma visita a Coxim e ao pé de cedro que plantara aos 11 anos, Zacarias escreveu a canção que viria a ser reconhecida como seu principal trabalho. Na capital paulista, ele pediu a Goiá, um amigo compositor, que musicasse a letra.
A canção do arbusto que ramificou e virou árvore estourou com a dupla Tibagi e Miltinho, na década de 60. A partir daí, Zacarias passou a ser visto com outros olhos.
Esperto como era, aproveitou para divulgar o Estado e a cidade de onde viera: Coxim, aquele "pedaço do céu", como costumava dizer. Com o talento e a lábia, acabou incentivando e lançando ao Brasil novos cantores sul-mato-grossenses, como a dupla Amambay e Amambai e Dino Rocha. Com isso, tornou-se símbolo da expansão cultural do município.
Em 1975, 16 anos depois de ser musicada, a canção voltou ao topo com Sérgio Reis. Em entrevista concedida para o documentário "Um pedaço do Céu", produzido pelos jornalistas Douglas Queiroz, Hugo Crippa e Karla Lyara, em 2010, o cantor falou sobre a gravação que entrou para o primeiro LP de músicas sertanejas de sua carreira.
"Eu peguei uma música de cada Estado, de cada região, e o Pé de Cedro foi para Mato Grosso, Chalana foi para fronteira, Chico Mineiro para Minas Gerais e assim foi feito. O Zacarias era um amigo, um irmão que eu tive. Sou amigo da família, eu vi as crianças dele crescerem. Falar dele bate muita saudade", diz.
O poeta Geraldo Mochi, que conheceu o compositor, lembra no documentário que Zacarias divulgava a cidade e conseguia levar artistas para conhecer o município.
“O sonho dele era levar a música da fronteira, a polca paraguaia, o chamamé, o rasqueado. Ele queria introduzir essa música nossa, da região, lá em São Paulo. Conversando com o Zacarias eu falei: Como que é esse Mato Grosso, essa Coxim, sua cidade? Ele falou: Olha, moço, Coxim é um pedaço do céu na terra”, lembra.
História - No livro “Os Pioneiros – A origem da música sertaneja em Mato Grosso do Sul”, do jornalista Rodrigo Teixeira, Ligia Mourão, filha do compositor, relembra a história que teve início há 73 anos, em 1939.
Com 11 anos, Tió, acompanhado de Padre Chico - com quem se tornou coroinha, encontrou um arbusto de pé de cedro na beira do rio Coxim, durante uma das várias caçadas que realizava na companhia do sacerdote.
O menino resolveu que iria contribuir para arborização da cidade e acabou plantando a árvore. Anos mais tarde, a atitude ecológica teve uma justificativa mais filosófica, como ele mesmo explicou à filha.
"Teve um sentido porque ele havia conversado sobre Deus, sobre natureza... Ele queria arborizar do jeito que era o lugar mesmo. [...] Uma vez perguntei: Porque o senhor plantou um pé de cedro? Ele respondeu que queria saber sobre a vida e que plantou o amor".
Zacarias queria ver a árvore vingar. Seria o resultado do amor que plantara. E o pé de cedro, como era esperado, cresceu. "Antes de conhecer Goiá papai voltou a Coxim para matar a saudade. Ele queria ver o pé de cedro. Quando chegou, abraçou o tronco e chorou. Foi quando escreveu a letra", disse Ligia Mourão.
Fonte: Campo Grande News
Helena Meirelles
Violeira, instrumentista, cantora, compositora, benzedeira, parteira, lavadeira, analfabeta e apaixonada.
Uma dama incomum: a dama da viola. Ao estudar a vida musical de Helena é difícil não mergulhar em sua história pessoal, pois ambas estão entrelaçadas de maneira que conseguimos enxergar nuances de sua vida no som de sua viola e vice-versa.
Helena nasceu em um tempo em que só homens tocavam instrumentos musicais, inclusive o que ela tanto gostava, que era a viola. Mas ela não desistiu e aprendeu a tocar viola escondida e sozinha. Sua música é reconhecida pelas pessoas nativas do Mato Grosso do Sul como expressão das raízes e da cultura da região e sua identidade foi construída com os ritmos do daqui e com influências da música paraguaia.
Apaixonada pelo pantanal e pela liberdade, Helena nasceu em Bataguassu, em 13 de agosto de 1924. Filha de um paraguaio e uma mato-grossense cresceu rodeada de peões, comitivas e violeiros. Desde criança começou a se interessar pelo toque da viola, ela dizia que o som simplesmente a encantava de maneira que ela não queria apenas ouvir, mas de alguma forma se misturar ao som. Ainda jovem começou a tocar viola nas festas juninas que aconteciam na beira da estrada boiadeira, na época em que o salão era iluminado por lampião e o chão era de terra batida. Imaginemos o cenário! Helena, a poeira, os sorrisos, o som da viola, a paixão por tocar, a satisfação dos ouvintes... (Ah! Dificílima responsabilidade de traduzir isso em dança!).
A obra musical de Helena tem tantas peculiaridades quanto a sua vida. Talvez tivesse sido diferente se ela não fosse essa mulher apaixonada pela liberdade e pela quebra de paradigmas. Helena fugiu de casa aos quinze anos e teve seu primeiro filho aos dezessete, no total foram onze filhos em três casamentos. Sua grande paixão foi um paraguaio (seu segundo marido), depois da separação Helena, doou seus filhos e passou a tocar num bordel. Com seu terceiro marido, com quem viveu por quarenta e oito anos, ela teve dois filhos, os únicos que criou consigo.
Ela dizia: “Na zona eu me divertia com a farra que os peões faziam e não via o tempo passar”. Helena dizia que gostava das festas familiares, mas preferia tocar na zona, na casa das mulheres da vida; contava ainda que nunca foi desrespeitada nos bordéis, mas cansou de ver os peões na zona do Porto 15 mexerem a cerveja com o cano do 38 e bater nas mulheres com guaiaca e espora.
Com seu companheiro nos últimos 48 anos teve Balbino, morto há cinco anos, aos 40. Ele tinha síndrome de Down e era tido como o filho mais amado de Helena - dos 11 que teve - ela criou consigo apenas Francisco e Balbino, de quem guardava até hoje os pertences. Longe de familiares por 30 anos, foi encontrada por um sobrinho em Santo Epitácio.
Sim. É preciso conhecer sua história de vida para entender a riqueza de sua música. Pois ao ter sua música tocada numa rádio (foi em 1980 quando conheceu Inezita Barroso, que a apresentou no seu programa na Rádio USP e na TV Cultura), ou ao sentir a emoção de subir num palco pela primeira vez, em 1992 aos 68 anos, ali estava uma mulher com toda essa história, paixão e saudade. Sobre boas lembranças, Helena dizia: “Quando escuto um burro urrar ou um toque de berrante, da vontade de voar no vento e cair no meio da boiaderama”.
Ainda em 1992 um sobrinho enviou uma fita com gravações amadoras de Helena Meirelles tocando viola para uma revista especializada dos Estados Unidos. Em 1993, ela foi eleita pela revista americana Guitar Player (com voto de Eric Clapton), como uma das 100 melhores instrumentistas do mundo, por sua atuação com diversos cordofones, em especial viola e violão. Em 2003 foi concluída a construção de uma concha acústica na cidade de Campo Grande (MS), cujo nome foi batizado em homenagem a violeira Helena Meirelles e em 2012 foi incluída na lista 30 maiores ícones brasileiros da guitarra e do violão (Categoria: Raízes Brasileiras) da revista Rolling Stone Brasil.
Gravou quatro discos em seguida:
1994 - Helena Meirelles
1996 - Flor de guavira
1997 - Raiz pantaneira
2002 - Ao vivo (também conhecido como De volta ao Pantanal)
A técnica de solos de Helena era muito distinta do que se tinha por habitual à viola caipira, usava uma afinação diferente (não muito bem nomeada por ela, mas vezes evocada como paraguaçú, três cordas ou rio abaixo) além de priorizar o uso horizontal e as variações rítmicas de palhetadas. Não havia notícia conhecida, até seu aparecimento, sobre esse jeito peculiar de se tocar - prioritariamente solado - e os dois violeiros até então influenciados, manutentores e inovadores da herança técnica e sonora deixada por Helena são Milton Araújo e Rainer Miranda.
Para nós da Cinese Cia de Dança foi um apreço estudar e conhecer um pouquinho da história de Helena, uma mulher de fibra, dona de um talento musical inquestionável que esperamos poder homenagear e conseguir retratar com muito carinho essa estação pantaneira e guerreira da história do nosso Estado.
Como sugestão, indicamos essas músicas de Helena:
(Se puder, ouça tomando tereré!)
— Fiquei sozinha (1994)
— Quatro horas da madrugada (1994)
— Chuíta (1996)
— Epitaciana (1997)
— Flor Pantaneira (2002)
— Samba do Zé (2002)
“Eu só queria ser eu! Eu sou dona do meu nariz e da minha direção".
Por Ana Loureiro
(Estudo baseado no livro Os Pioneiros e nos filmes: Helena Meirelles, a dama da viola (2004); dir. Francisco de Paula. Dona Helena (2004); Dir. Dainara Toffoli).
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Delio e Delinha
José Pompeu e Delanira (Délio e Delinha) eram primos. Délio era 15 anos mais velho que Delinha. Casaram-se e foram tentar a vida musical em são Paulo.
Délio: Eu morava em São Paulo e vim passear em Campo Grande. Fiquei na casa do meu irmão. A mãe da Delinha, que é irmã do meu pai, foi me visitar e falou: ‘Zezinho! Você gosta de cantar e tocar. A Delinha também. Vai lá para casa. Você não tem onde ficar mesmo’. Conhecia a Delinha só de nome. Tinha visto ela menina e quando voltei estava moça.
Délio: Eu fui para a casa da Delinha, mas não estava namorando. Era só música. A gente ficava até as 11 da noite incomodando os vizinhos. A casa é onde ela foi criada e morou a vida toda. Na Rua Paissandu. A Delinha tem até uma música chamada ‘Velha Casinha’. Cheguei a querer derrubar a casinha para construir uma de material, mas a mãe dela não deixou. Ficamos nisso um ano mais ou menos, até que começou a dar namorinho e terminamos casando.
Délio: Antes de irmos para São Paulo, o Zacarias esteve em Campo Grande com o Duo Estrela Dalva, em que a noiva dele cantava. Foi o meu primeiro contato com o Zacarias. Ele falava: ‘Se forem para São Paulo, me procurem que arrumo um encaixe para vocês’.
Delinha: O Zacarias conseguiu falar com o Capitão Barduíno e o Biguá, que tinham programas sertanejos na Bandeirantes. E o resultado foi que com nove dias a gente entrou para a rádio. Mas sem ganhar. Ficamos cinco anos e um mês lá e nunca tivemosr emuneração. Era só para fazer nome. Ganhava cenzinho, duzentinho, nos shows nos circos.
(Delinha era professora e Délio informante da rede globo e eletricista. Era 15 anos mais velho que Delinha.)
Delio: Eu comprei um sofá cama à prestação e alugamos um quartinho no Bexiga que só cabia nós dois. No fi m do mês eu não pude pagar o aluguel e o dono da casa me tomou o sofá. Lá fomos nós dormirmos no chão outra vez.
Delinha: Tivemos de mudar para um quarto menor no Bexiga com
cinco meses de casados. Eu tinha 22 anos. O apartamento só tinha
uma cama de solteiro, uma mala de roupa e uma mesinha. O outro
tinha cama de casal. Cozinhava na espiriteira, aquelas coisas de
álcool. Fazia arroz e feijão.
O BATISMO NA RÁDIO BANDEIRANTES
Receberam esse nome pelo finado capitão Barduíno na Rádio Bandeirantes, mas ele próprio esquecia o nome que deu a dupla com frequência e assim os chamava de “casal de onça de Mato Grosso”, o que desagradava delinha até pelo fato de o público entender que eles iriam trazer um casal de onça adestrada junto com eles.
Délio: Depois de poucos dias que chegamos a São Paulo já estávamos
cantando na Rádio Bandeirantes. Nós chegamos lá com o nome de
Duo Pintassilgo. O nosso diretor artístico era o finado Capitão Barduíno.
Ele falou:
‘Vamos trocar esse nome aí. Como vocês se chamam?’
‘Me chamo Zezinho’.
‘Zezinho é o que tem aqui, não serve. E você?’.
‘Me chamo Delanira, mas desde criança que me chamam de Delinha’.
‘Está aí um nome: Délio & Delinha’.
Delinha: Foi o Capitão Barduíno que nos batizou. E aí ficou. Mas ele esquecia o nosso nome: “Agora vamos apresentar... Esqueci o nome... Meu Casal de Onça de Mato Grosso”.
Nós não gostávamos desse título de Casal de Onça. Quando anunciava nos shows ‘Délio & Delinha, o Casal de Onça de Mato Grosso’ o povo pensava que a gente levava um casal de onça adestrado.
Passaram muita dificuldade financeira em São Paulo, dormiram no chão, passavam vontade de muitas coisas. Delinha relata, inclusive, certo dia ter muita vontade de comer um pão doce e não ter dinheiro. Até que neste mesmo dia uma pessoa os contratou para um show com pagamento adiantado, o que permitiu que ela pudesse comer o que tinha vontade, dizendo a seguinte frase: “Aí você vê como Deus ajuda”.
Veio um senhor lá e disse:
- Escuta Délio, o que você vai fazer na quinta?
- Nada
- Quer um showzinho?
- Queremos!
- É uma turma toda que vai e é quinhentão.
- Ah tá
-Eu já vou pagar adiantado!
Comi gostoso hein! A gente passava vontade. Foi uma época difícil.
Eles estavam na Rádio Bandeirantes com o intuito de gravar e assim venderem muitos discos. Mas na rádio nunca os convidavam para gravar. Tocaram por 5 anos na Rádio Bandeirantes sem ganhar um tostão, pois acreditavam que precisavam “fazer nome”.
Délio: Na Rádio Bandeirantes se cantava ao vivo. Eu já tinha um repertório bom. Ficamos assim por um ano. A gente era caipira, bobão mesmo. Ficamos esperando que a gravadora nos chamasse. Cheguei no Barduíno e reclamei: ‘Capitão, nós precisamos gravar. Faz um ano que estamos cantando na rádio e a rádio não nos manda gravar’.
Delinha: Nós ficamos na Rádio Bandeirantes por cinco anos e um mês sem ganhar nada. Só para fazer nome. Eu não sei se alguém ganhava. A gente tinha medo de perguntar.
Délio: Fizemos amigos em São Paulo na Rádio Bandeirantes.
Finalmente foram chamados para gravar pela gravadora Califórnia, em 1959. As primeiras músicas foram “Malvada” e “Cidades Irmãs”. Três meses depois foram receber pelas vendas. Haviam vendido 264 discos. Délio não quis mais, pois disse que falavam que se vendia mil discos e assim queria voltar para o Mato Grosso. Soube que em Campo Grande Zacarias Mourão fazia sucesso com duas das músicas de seu disco. Délio falava que se ele não fizer sucesso com suas músicas ninguém mais faria.
Delinha: O Mário Vieira, da Gravadora Califórnia, finalmente marcou para a gente gravar. O ano era 1959. As primeiras músicas foram ‘Malvada’ e ‘Cidades Irmãs’ em disco de 78 rotações. Quando deu os três meses para receber o ‘dindim’ tinha vendido 264 discos. O Délio disse que não queria mais, que todo mundo falava que vendia mil discos e que a gente iria voltar para Mato Grosso. Fazia um ano e pouco que eu e ele estávamos por lá. A gente era caipira e sem tarimba. Todo mundo falava que O Zacarias Mourão estava em Campo Grande com o Duo Estrela Dalva e o sucesso na cidade era ‘Malvada’ e ‘Cidades Irmãs’. Em todo lugar tocava. Virou um hino. Zacarias retornou para São Paulo e falou que tinha que gravar as músicas com a dupla dele. O Délio falou: ‘Não senhor. Se eu não fi z sucesso com a minha música, ninguém mais vai fazer’.
Delinha: Foi quando o Mário Vieira chamou para a gente gravar bem. Ele sabendo do sucesso em Campo Grande chamou de volta e entramos para a Califórnia outra vez.
Nós gravamos uns 2 ou 3 LPs com o Caçulinha. Até que um dia o Délio discutiu com o Caçulinha porque eles não acertavam uma música. Eles discutiram e o Délio falou: ‘Ou eu ou ele aqui’.
Muitas pessoas levavam a roupa na caixa no violão, pois usavam apenas uma roupa para se apresentar. Mas Délio e Delinha não: faziam questão de usar sempre uma roupa em cada apresentação! A Marca de Delinha era saia rodada e de Delio o terno, que usava inclusive no dia a dia por ter se acostumado.
Délio: A turma vê uma saia rodada e já fala que é da Delinha. Virou uma marca. Eu chegava ao lugar e ia passar as roupas. Também toda vida o Délio se apresentou de terno. Ele só anda assim. Mesmo de dia. Acostumou. A gente não sabe ir a um show mal arrumado. Pode ser de dia ou de noite. Os fãs gostam de nos ver bem vestidos.
Delinha explica os como se distinguem os ritmos em sua concepção:
"Não gosto de música ca-i-pi-ra! Porque é aquela mal falada
com moda de viola e tem moda que não dá. Desculpe quem goste.
Eu prefiro o rasqueado, que é mais apaixonante. Polca, chamamé e guarânia cada um é uma coisa. São diferentes. Só que é quase que o mesmo batido no violão. O rasqueado vem do chamamé e da polca paraguaia. O chamamé é mais lento e a polca paraguaia é mais rápida. O rasqueado ficou no meio do chamamé e da polca. Para mim, que não estudei música, é isso."
Delinha: O único disco que fizemos fora da Califórnia foi na Chantecler em 1970. Tiramos tanta foto no Parque da Água Branca em São Paulo para colocarem uma que não gostei na capa.
Já estavam muito melhor financeiramente quando decidiram voltar ao Mato Grosso do Sul. Abriram um mercadinho e tempos depois se separaram. Delinha casa-se com Jairo, mas após um tempo a dupla resolveu voltar apenas profissionalmente. Fazem um show em 1993 no círculo militar onde atraíram mais de 5 mil pessoas. Foi assim até a morte de Délio.
Délio: A gente estava bem de situação em São Paulo. Mas mato-grossense é bairrista e voltamos para Campo Grande definitivamente. Mas não ganhamos dinheiro como em São Paulo. O problema é adorar a terra que nasceu. Nós montamos um mercadinho perto da minha casa e por muito tempo toquei o negócio.
Delinha:O Délio ajudou no começo, mas depois eu fiquei tomando conta mais sozinha. Até que não aguentei mais. Em 1978 eu me separei do Délio. E a dupla também acabou parando de tocar por uns tempos. No final dos anos 1970 tinha feito a música ‘O Sol e A Lua’ e começou uma história da gente voltar a gravar. O que aconteceu em 1981, quando lançamos o disco ‘O Sol e A Lua’. A música virou um sucesso, mas separamos a dupla logo depois de novo. Eu já estava casada com o Jairo.
Depois resolvemos voltar em 23 de outubro de 1993. Fizemos um show do Círculo Militar que foi sucesso. Tinha cinco mil pessoas e foi gente embora sem entrar.
Zé Correa
O pai dele não tocava acordeon, mas era um campeiro de mão cheia. Era um homem de outra estirpe, dançava tango e todas as danças do período colonial. E aqui se aclimatou ao chamamé e a polca.
Zé teve três irmãos do primeiro casamento e seis do segundo. Era o caçula e o único filho homem. O irmão mais velho, do primeiro casamento, que era padrinho dele, tinha um acordeon que ele pegava para aprender em um momento que ninguém o visse porque era o instrumento do irmão mais velho: era altamente proibida a utilização. Quando o irmão mais velho o encontrou tocando, disse que a partir daquele dia o Zé Corrêa é que seria o sanfoneiro da casa e o presenteou com o acordeon. A partir dali começou a tocar para os vizinhos e nas festas de família.
(Delio conhecia Zé Correa desde os 15 anos.)
Rodrigo Teixeira: E quando o Zé Corrêa começa a virar profissional?
Márcio Barbosa: Quando vai fazer uma incursão na cidade de Santos, onde ele ficou de 1961 a 1964. Ele foi tentar a carreira musical a convite de uns amigos. Estava com 16 anos, foi com um trio daqui. Eles acharam Santos mais interessante que São Paulo porque a vida noturna era mais movimentada. Outra coisa que chamou a atenção foi a possibilidade de gravação. A mãe dele foi para Santos e, ao chegar lá, o inscreveu em uma escola de música. Ela apostou no sonho dele. Tanto é que quando ela percebe que ele era muito mais do que ‘mais um acordeonista’, ela o presenteia com um acordeon. A maior emoção da vida dessa senhora foi ter esse filho e ele é resultado das vivências dessa mulher.
Rodrigo Teixeira: Ele entrou na escola de música?
Márcio Barbosa: Entrou, masfi cou pouco tempo. Porque ele desenvolvia os exercícios, começava a tocar chamamé e entrava em conflito com a coordenação da escola porque ele deveria tocar o que era apresentado. Mas como ele não se identificou, saiu da escola. Ele pensava: ‘O que estão me passando já nasci sabendo’. Ele desejava conhecer mais do chamamé e estudar mais a fundo
sobre isso.
Ficou uns três anos em Santos tocando na noite e trabalhando durante o dia na construção civil. Também trabalhou na área de carga do porto. Foi uma vida muito dura. Em extrema dificuldade, ele chama a mãe e diz que chegou o momento de voltarem porque não tinha mais perspectivas em Santos. Retornam para Campo Grande e retomam a vida, já que tinham uma casa na cidade. Então acontece o reencontro com os músicos. Eles ficaram sem contato esse período e o Zé voltou muito mais maduro.
Estudava através dos discos. Ele não tinha ninguém que o ensinava. O que ele escutava era o que se tocava no Estado. Polca, rasqueado e algumas coisas de chamamé correntino, mas ao estilo que existia antes dele. Escutou basicamente 78 rotações. Então quando ele volta para Campo Grande, tem pelo menos mais de duas centenas de discos de chamamé correntino de 78 rotações que a família ia enviando. Eles voltavam esporadicamente aqui e vinha pegando. Aí foi aprofundando o estudo e construindo um repertório chamamezeiro.
O assassinato do cunhado
Rodrigo Teixeira: Eu pensava que os discos tinham sido lançados depois do assassinato que ele acabou envolvido...
Márcio Barbosa: E foi. O cunhado do Zé Corrêa foi assassinado em julho de 1971. Foi no município de Rio Brilhante, onde é hoje a cidade de Nova Alvorada, dentro da fazenda da família.
Rodrigo Teixeira: Por isso que a partir de 1971 ele some do mapa?
Márcio Barbosa: O Zé continua tocando, mas começa um trabalho fora do Estado. Porque o trabalho dele já estava em São Paulo, Paraná, Goiás, Minas... Ele começou a percorrer esses caminhos. Tanto é que o Trio Parada Dura fez uma música em homenagem a ele em um dos discos deles que mais vendeu.
A confusão
Rodrigo Teixeira: O que ficou como verdadeiro é que um empregado do Zé Corrêa foi quem cometeu a fatalidade.
Márcio Barbosa: O que acontece é que o povo no campo não é muito atento à polêmica. Então qualquer polêmica naquela época era resolvida na bala. Nosso povo é um povo armado, isso é uma tradição de longa data. Então houve uma discussão lá na porteira da fazenda entre esse empregado do Zé que, na verdade, era primo bem distante. Foi casar depois que o Zé Corrêa tinha morrido. No calor dessa discussão acontece agressão verbal, a ameaça de pegar uma arma, um disparo e acontece um crime, um assassinato.
Rodrigo Teixeira: Essa pessoa que morreu nesta briga, qual era o nome?
Márcio Barbosa: Lázaro Nogueira, que era cunhado dele, casado com a irmã da mulher do Zé Corrêa.
Rodrigo Teixeira: Mas por que ‘sobrou’ para o Zé Corrêa?
Márcio Barbosa: ‘Forças ocultas’ trabalharam para caracterizar o crime desta maneira. Só que isso nunca foi provado.
Rodrigo Teixeira: Mas infelizmente muita gente acha até hoje que o Zé Corrêa matou mesmo.
Márcio Barbosa: Mas isso não aconteceu. Quem matou o cunhado foi o empregado da fazenda. Tanto que depois o Zé Corrêa é inocentado. Na noite do crime ia acontecer um noivado na fazenda e o Zé iria estar tocando com o Lázaro. Eles eram amigos. Não havia um motivo. Mas acharam que o Zé podia ter sido um mandante ou algo do tipo.
Rodrigo Teixeira: A vida do Zé Corrêa virou de cabeça para baixo. Ele não podia aproveitar a popularidade...
Márcio Barbosa: Você imagina que para uma pessoa andar disfarçada é porque era popular mesmo. Ele era reconhecido em qualquer lugar em um período que não havia internet, televisão existia em poucas casas, a mídia era pouco desenvolvida... Ser reconhecido pelas pessoas na rua era mérito para poucos.
Délio: A desgraça do Zé Corrêa foi a morte do cunhado. Ninguém sabe direito esta história. Só que depois ele foi jurado de morte. Isso não é muito segredo.
Betinha: Foi o Zé Corrêa que trouxe o chamamé argentino para nós. Outros podem falar que não, mas foi ele. Até ele tocar a gente conhecia o rasqueado tocado pelo Mário Zan.
O pessoal não sabia que ele estava pro lado de Goiânia. Se hoje ainda consegue se esconder, imagina aquela época que não tinha tecnologia? Mas ele fi cou numa tristeza, como se fosse peixe fora d’água. Com todo o sucesso que ele tinha no Mato Grosso, chegava aos lugares e ninguém conhecia. Só os músicos, porque ele era muito respeitado por todos os grandes sanfoneiros daquela região. Como o finado sanfoneiro Vaninho. Ele voltou porque não agüentou mais. Ele preferiu enfrentar a morte a viver isolado do mundo. Ele vinha para Campo Grande de carona de caminhão que transportava gasolina. Não podia pegar ônibus. Ele era um homem de muita coragem.
O crime
Adail: Ele me falou que se fosse para viver como estava vivendo, onde não tinha amigos e o reconhecimento, para ele não interessava. Por isso veio fazer o programa de rádio, onde acabou assassinado. O Zé já estava para as bandas de Campo Grande. Mas só quando
a Justiça o considerou inocente, sentiu que estava liberto. Mas o pessoal estava na espreita e só queria saber de vingança. Ele nunca teve medo. Dizia: ‘Se tiver que acontecer vai acontecer’. Também andava armado. Só que não deu tempo de nada.
Correio do Estado, Quarta-feira, 10 de abril 1974
"O conhecido cantor e acordeonista Zé Corrêa foi assassinado ontem na porta de entrada da Rádio Educação Rural, onde a vítima teria ido para participar de um programa. Eram 20h30 quando Zé Corrêa chegava àquela emissora e uma pessoa desconhecida lhe dava cinco tiros – na cabeça, no pescoço, no peito, na barriga e na coxa – que lhe provocaram a morte. Levado para o Pronto Socorro, faleceu assim que recebia os primeiros cuidados médicos. A morte de Zé Corrêa teria sido motivada por vingança."
por Cassia Helena Mazzei
(estudo baseado no livro Os Pioneiros)
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A poesia contida nos trilhos do Mato (Grosso do Sul)
"Em 11 de outubro de 1977 o estado do Mato Grosso do Sul foi oficialmente desmembrado de Mato Grosso, após muitas tentativas de “independência” através da criação do estado. Com essa mudança, teoricamente, apenas os nascidos após 1977 seriam sul-mato-grossenses; todos os nascidos anteriormente seriam, por esta lógica, mato-grossenses. Entretanto, existem registros de que os mais afeitos à separação foram os primeiros a providenciar a troca de sua documentação pessoal. Os documentos ilustram, assim, algo bastante peculiar: a ânsia de toda uma sociedade em ter uma identidade própria, desvinculada do antigo Mato Grosso que, afinal de contas, continuou existindo e manteve seu nome, não sendo necessário qualquer empenho no sentido de diferenciação.
Essa busca por uma identidade, essa necessidade de “autoafirmação” era transmitida não apenas pela mudança na documentação pessoal, mas também, e quem sabe principalmente, na arte de nosso Estado. Desde o início nossos movimentos artísticos apresentavam características bastante distintas do resto do país. Apesar de nossas influências Paraguaias, Gaúchas, entre outras, desde o início apresentávamos algo diferente: a Guarânia, o Chamamé, a Polca, o Rasqueado. Todas danças pantaneiras."
E seguimos assim, sempre diferentes. As gerações seguintes mantiveram essa necessidade, quem sabe até inconsciente, de apresentar algo diferente. E essa é uma característica presente no sul-mato-grossense até os dias de hoje.
O estado evoluiu, e o cidadão evoluiu junto. Apesar das gerações antigas defenderem nossas tradições e sentirem como se nossa cultura estivesse sendo esquecida ou até mesmo abandonada, vemos sim uma geração atual que apresenta em suas composições características presentes em nossas músicas desde sempre. Não apenas na busca por uma identidade, mas falando sempre da cidade. Vivemos atualmente em uma capital grande, violenta, com trânsito, problemas. A música autoral da cidade fala muito disso, e ainda sim, encontramos referência ao verde, aos animais presentes no estado. Ao tereré, ao pôr do sol encantador que vemos aqui. A poesia contida no mato ainda inspira as canções.
A arte sul-mato-grossense cresce cada dia mais, se diferencia do restante do mundo o tempo todo. Nossos artistas são brilhantes, criativos. Nosso povo é corajoso, despido de medo. Parte da população pode ainda não ter entendido nosso valor, mas quem entendeu entoa com orgulho, em alto e bom tom um “do Sul!!!!!!” sempre que um convidado de outra região se refere ao estado como Mato Grosso.
É difícil entender, mas nossa música sempre foi e sempre será a mesma em um ponto: nunca andará nos trilhos. Somos uma geração muito influenciada pela era digital, usuária da internet e suas diversas formas de compartilhamento e troca de informações. Temos contato com a música e a arte do mundo inteiro. Mas ainda sim, mantemos nossa identidade sul-mato-grossense. Uma identidade caracterizada simplesmente por não ter uma identidade, por estar sempre em transição. Sempre fora dos trilhos.
"Quem anda no trilho é trem de ferro, sou água que corre entre as pedras: liberdade caça jeito." Manoel de Barros
por Camila Nantes,
agosto de 2013
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